Claire Oliver Gallery 推出群展《We AmeRícans》，由摄影师兼策展人 Ruben Natal-San Miguel 策划，汇聚多代波多黎各与波多黎各裔艺术家，涵盖绘画、摄影、雕塑、版画、纺织与混合媒材等多个领域。展名取自诗人 Tato Laviera 的作品〈AmeRícan〉，将文化混融与社群经验置于核心，通过艺术梳理并显影纽约及更广泛地区波多黎各离散社群的身份叙事、韧性与日常历史。
策展脉络将本次展览理解为“记录”与“保存”的双重行动。Natal-San Miguel 并未提出单一命题，而是将作品组织为一个复合式档案：诸多个人叙事并置后，勾勒出由迁徙、劳动与文化自豪感交织而成的共同经验。其基本立场是：视觉实践不仅反映波多黎各与“纽约裔波多黎各人”（Nuyorican）的生活，更维系着一种代际档案，将艺术家与街区、家族记忆以及公共机构相连接。
画廊将该项目置于其长期关注的框架之中，即支持能拓展公众对历史与身份理解的艺术实践。将哈莱姆空间用于一场以波多黎各经验为根基的多声部陈述，强调了一个城市性的连续体：艺术生产、社区组织与机构建设彼此依存、相互牵引。纽约并非单纯背景，而是叙事的组成部分，使工作室实践与这座城市中延续已久的波多黎各文化生命产生直接关联。
参展艺术家包括：Carlos Betancourt、Elsa María Meléndez、Erica Morales、Ruben Natal-San Miguel、Dave Ortiz、Felix Plaza、Wanda Raimundi-Ortiz、Nitza Tufiño、Beatriz Williams、James Cuebas 与 Danielle de Jesus。尽管创作材料与技法各异，诸作在主题上趋同：日常景象、代际联结以及由劳动塑造的生活质地。Betancourt 的表演性装置为更为私密的作品提供了面向公共空间的对照；同时，其他作品使展览扎根于版画、纺织与叙事性绘画等传统与语汇之中。
展览清晰呈现了机构谱系。Nitza Tufiño——El Museo del Barrio 与 Taller Boricua Printmaking Studio 的共同创办者——将本展与纽约波多黎各艺术生态数十年的基础设施连接起来，提示文化工作往往包括开辟空间、培养新一代艺术家与维系社区工作坊。James Cuebas 则通过其在 East Harlem 的 Rafael Tufiño Printmaking Workshop 与 Lower East Side Printshop 的实践，延续并拓展这一谱系，持续探索胶铬酸盐、平版、丝网与单版等版种。上述网络的呈现，强调了“过程”与“地点”在展览叙事中的不可分性。
展览同样关注更新的机构可见度。Danielle de Jesus——拥有耶鲁研究生训练，参与过惠特尼双年展，并在 MoMA PS1 展出——代表了一种能够在学术、博物馆与社区语境之间灵活穿梭的年轻声音。她的出现强化了展览的跨代结构：资深艺术家、工作坊取向的实践者与新兴创作者在无刚性等级的同一空间中并置。
Wanda Raimundi-Ortiz 运用欧洲肖像传统、漫画、行为与民俗参照交织的混合语言，处理关于种族、创伤与修复的议题。其在 Smithsonian National Portrait Gallery 与 Museo de Arte de Puerto Rico 等重要机构的展出经历，以及参与国际双年展的平台，使《We AmeRícans》被置于跨区域的更大语境。此类连结并非仅为“资历”，而在于表明波多黎各声音如何在多平台之间流动，同时保持对社区叙事的扎根。
纺织、版画与临近工艺的实践在本展中占据重要位置。Elsa María Meléndez——曾获史密森学会 American Portraiture Today“观众选择奖”——将针线与布料转化为叙事与批评的媒介。她的方式凸显，当对材料与形式的自觉成为一项纪律，家居与“应用”艺术亦可转化为政治记忆的载体。在策展层面，这些材料与绘画、摄影平行陈列而非从属，回应了当下关于长期被归入“工艺”范畴的媒介之讨论。
Erica Morales（Rema Hort Mann 新锐艺术家资助获得者）将其在纽约同时作为教育者与艺术家的双重身份前置，使展览获得教育学维度：课堂、工作坊与工作室被视为相互支撑的文化知识传递场域。对正式与非正式导师制的强调贯穿艺术家名单，直接支撑了展览的“保存”逻辑。
展览为新声与新兴视角留出明确空间。最年轻的参展者、画家 Beatriz Williams，探讨波多黎各传承与纽约家庭生活之间的亲近与间隔，书写一种同样源于记忆与地理的亲密感。Felix Plaza 则在画廊完成其首秀，呈现介于版画与绘画之间、正在生长的创作声线。两者皆表明策展取向指向“连续性”而非“新奇性”，关注下一代如何承续、变奏并重述共同主题。
展览亦谨慎梳理了历史脉络：二十世纪中叶，岛上经济压力、城市就业机会扩张与航空出行的便利化相互叠加，吸引大批波多黎各人迁往美国本土，纽约由此发生深刻变化。至六十年代中期，已有逾百万波多黎各人定居美国，纽约成为岛外最大的文化中心。此背景并非装饰性布景，而是用于阐释社会与经济转型如何影响艺术家所记录并再阐释的题材、材料与社群结构。
展览同时承认波多黎各女性在纽约服装产业中的关键作用——尤其在下东城（Lower East Side）。对这段劳动史的点名，使工作室生产与更广义的“制造经济”——即由工坊、工厂与家庭空间构成、以技艺、创造力与互赖性维系家庭与街区的网络——发生联通。纺织实践与成衣领域之间的关联，强调了画廊中的物质语言如何与持久的手工与关护文化产生共鸣。
在整体陈列中，媒介的多样性被视为叙事幅度的证据，而非一份待勾消的清单。绘画与摄影与版画、纺织、雕塑及混合媒介并置，提示离散社群在定义上即是复数形。对 Laviera 〈AmeRícan〉的援引进一步强化了这一点：它召唤了一条长期将身份视为语言、记忆、邻里与迁徙之复合体的文学传统。展览的结构——跨代、跨平台并扎根具体社区机构——则为这一理念提供了可见的形态。
Natal-San Miguel 本人的创作有助于理解展览的语调与方法学。他的摄影作品为波士顿美术馆（Museum of Fine Arts, Boston）、哈莱姆工作室美术馆（The Studio Museum in Harlem）与 El Museo del Barrio 等机构收藏，显示其对城市、街道生活及其塑造者的长期关切。在本展中，这种感受力被转译为一种策展策略：将亲历经验与社区记录置于奇观之上，并将每件作品作为一部更大公民史中的片段来阅读。
总体而言，《We AmeRícans》可被视为关于“在场”与“延续”的陈述。展览并置资深创作者、工作坊取向的实践者与新兴声音，显示文化记忆如何得以持续——通过由艺术家创立并维系的机构、通过代际传承，以及通过与日常劳动发生共振的材料。由此呈现出一个结构清晰、克制而明晰的视角：关于波多黎各身份在纽约与更广泛离散社群中的生活现实与文化再现。
**地点与日期：**Claire Oliver Gallery（纽约哈莱姆）—— 展期：2025年11月5日至2026年1月3日；艺术家见面酒会：11月7日（周五）18:00–20:00；新闻稿发布：2025年10月3日。
