Celine Daemen，把虚拟现实变成歌剧舞台的导演

Celine Daemen

出生	1995 Netherlands
职业	沉浸式电影导演
获奖	Venice Immersive Grand Prize · Reflet d'Or · Silver Yusr

当虚拟现实产业向所有人承诺一个元宇宙时，塞琳·达门（Celine Daemen）正在思考欧律狄刻。确切地说，并非希腊神话中那个迷失的女孩——而是那种坠入一个空间的具体感受：在那里，寻常时间停止运转，将人锚定于自身的法则悄然消融。在达门看来，这正是VR所擅长的体验：不是主题公园，不是企业培训模拟，而是更接近歌剧在不经意间击中你的那种东西。这一立场使她成为沉浸式电影领域获奖最多的名字之一——而如今她正刻意超越曾为她赢得这份认可的技术——这既说明了她对媒介的认真态度，也表明她多么不愿被其定义。

达门在荷兰马斯特里赫特表演艺术学院（Maastricht Institute of Performing Arts）学习导演，2018年毕业时带来一部已宣告其关注点的作品：《内部》（Inside），一个围绕恐惧与孤独构建的360度单人观看视频装置。这件作品没有传统意义上的叙事。观众被置于一个联想式情感场域——视频图像、音乐、分层音效——任由他们凭感觉在其中穿行。它并不舒适。它本就不为舒适而设计。而它在达门职业生涯之初便确立了一点：她对用技术让观看变得更轻松毫无兴趣。她1995年生于荷兰，她所经历的荷兰戏剧、当代歌剧、实验音乐等文化语境，赋予她一套形式参照——与沉浸式媒体的创业逻辑奇特而富有成效地并置。

2010年代末期，她的作品在戏剧、表演和早期沉浸式实验之间游走。《坠落之人的歌剧》（De Opera van de Vallende Mens，2019）取材于对经历心理脆弱状态的人们的访谈，构建了一部关于孤独与悲伤的VR歌剧，将音乐与视觉用作镜子而非窗户。《下雪》（Sneeuwen，2019）与女演员玛丽特·霍伊舒尔（Marit Hooijschuur）及作曲家马克·马赫福德（Marc Mâhfoud）合作，面向年轻观众，将一个女孩置于天真诗歌与存在主义问题的风景中漂泊。更早的短片《渴望无限的女人》（De vrouw die oneindig wilde zijn，2018）与桑娜·斯米茨（Sanne Smits）共同创作，设定在生与死之间的过渡阶段，在毕尔巴鄂国际电影节上获得认可。戏剧语言已然存在；VR工具则一部一部地组装起来。这两部主要VR作品都展现了后来成为标志性手法的东西：将古典艺术形式——歌剧、神话、抒情诗——作为结构骨架，用于那些只能在沉浸式空间中存在的体验。

疫情使方法更加锐利。《无言之独白》（Monologues for Nothing，2020-2021）将VR头显交到封锁期间的年轻人手中，通过技术将他们飞越自己的城市，进入共享虚拟空间。当别人视VR为娱乐时，达门将其看作教堂地下室一直以来的角色：一个让孤立短暂成为共契的房间。研究项目《无处》（Nowhere，2021-2022）与Muzieklab of Intro in Situ、VIA ZUID以及De Effenaar Smart Venue的Chronosphere实验室合作开发，深入了她一直声称属于自己的哲学领地——在场与缺席之间、“某处”与定义其边缘的空白之间的空间。

2022年，《欧律狄刻——坠入无限》（Eurydice — A Descent into Infinity）问世，一部超过二十五分钟的VR歌剧，要求观众在物理上穿行于无尽建筑迷宫，同时跟随神话中的欧律狄刻坠入虚空。形式严谨——达门曾引用塔可夫斯基和香特尔·阿克曼作为沉思节奏和拒绝传统戏剧性结局的参照——这部作品在十分钟已算雄心勃勃的媒介中异常漫长。它获得了日内瓦国际电影节的Reflet d’Or最佳沉浸式体验奖和银质Yusr奖。同年她创立了Nergens工作室（Studio Nergens，意为“无处工作室”），一个跨学科工作协作中心：VR专家、作曲家、戏剧从业者和数字艺术家共同创作那些无人能独自完成的项目。工作室的名字精确捕捉了哲学：无处正是达门始终试图抵达的空间，那个寻常经验坐标不再可靠的地方。

随后是《过客之歌》（Songs for a Passerby）。该作品于2023年8月在第八十届威尼斯国际电影节首映，是一部十分钟的VR歌剧：观众佩戴头显，以自身的三维扫描版本穿行于废弃城市景观，在阴影与声音中移动，同时低声合唱响起，野狗在寂静街道上徘徊，远处一匹马面临不确定的命运。作曲家阿萨·霍维茨（Asa Horvitz）和剧作家奥利维尔·赫特（Olivier Herter）与达门及VR艺术总监阿隆·费尔斯（Aron Fels）共同创作了音乐架构；体验介于超现实主义中篇小说与可漫步的深夜梦境之间。由电影人陈星（Singing Chen）担任主席的评审团授予其威尼斯沉浸式大奖——该领域最高荣誉——称其为一部里程碑式作品，为这一媒介的可能性设定了新标准。

这种赞誉值得审视，而非全盘接受。威尼斯沉浸式大奖确实享有盛誉，但VR电影作为一个类别仍处于尴尬的中间地带：对于长片太短，对于大众观众太贵，依赖头显——仍是小众消费产品——以及大部分观众依赖的节日基础设施。该媒介的批评者认为，沉浸式电影永远处于宣告状态——总是即将突破，总是找到新的技术惊艳方式，却从未像电影、戏剧或录音音乐那样成为文化必需品。达门最有力的反驳并非修辞性的，而是形式性的：她的作品并不试图成为电影。《过客之歌》不是一部戴着头显的电影。它是一部空间歌剧，利用头显的独特语法——对观众视线去向的绝对控制，身体同时栖居于两个坐标的本体感受混乱——作为论证本身。这是否构成一种新艺术形式，抑或只是对技术能力的精心展示，这个问题没有明确答案。对达门而言，重要的是她不断追问，而不是满足于行业偏好的答案。

威尼斯之后的第二年，在第八十一届威尼斯国际电影节上，达门并非作为参赛者回归，而是担任威尼斯沉浸式单元评审团主席——这是对她地位的认可，而在这个领域，大多数导演在这个年龄仍在寻找自己的语汇。与此同时，她通过纽约林肯中心的Onassis ONX驻留项目被选为Collider Fellow，这是一个为期八个月、聚焦技术与艺术研究交叉的项目。Nergens工作室获得了荷兰表演艺术基金（Performing Arts Fund Netherlands）的多年机构支持，这表明荷兰文化基础设施已认定这类实践有值得持续资助的未来，而非逐个项目地支持。

至于那个未来是什么模样，达门正在积极重新协商。《此处无物》（Nothing to See Here）——入选2025年IDFA DocLab并于2026年在Festival Cement展出的装置——是一个互动立体模型：无需头显的光学和听觉沉浸。媒介转换是刻意的。Nergens工作室已宣布一项计划，将超越VR延伸至声音装置和那些搁置“VR能做什么？”这一问题的格式，转而关注更根本的东西：沉浸式艺术究竟想从身处其中的人那里得到什么？奥纳西斯基金会（Onassis Foundation）的EMARE津贴支持着构成这一扩展基础的持续探索性研究。这不是对为她赢得该领域最高奖项的作品的否定；这是同一个哲学问题，用不同的工具来追问。

一位电影人在赢得其媒介最高奖项后立即开始研究如何减少对它的依赖，这非同寻常。达门在多次采访中说过，技术对她而言始终是载体——而非目的地。她现在跨越格式、机构和两大洲的驻留所追问的问题，正是那个载体一直承载的东西：站在一个声音与视觉的世界中，剥离了确认一个人自身存在的寻常线索，这究竟对站在那里的人产生了什么影响？《此处无物》是当前进行中的答案。还会有其他答案。

标签: 导演, Aron Fels, Celine Daemen, Eurydice — A Descent into Infinity, Nothing to See Here, Songs for a Passerby